Christine Tien Wang, Ken Lum What am I doing here?
16/03/2024 – 20/04/2024
Galerie Nagel Draxler
Weydingerstr. 2/4
10178 Berlin
Opening / Eröffnung:
Freitag, 15. März 2024, 18 – 21 Uhr
Friday, March 15, 2024, 6 – 9pm
Öffnungszeiten / Opening hours:
Dienstag - Freitag 11 – 18 Uhr, Samstag 12 – 18 Uhr
Tuesday - Friday 11am – 6pm, Saturday 12 – 6pm
Press Release
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At a superficial glance, from a purely formal point of view, the works of Ken Lum and Christine Tien Wang have in common the combination of text and image, which are mutually interrelated. Lum contrasts his large-format, staged portraits with short, repetitive phrases that reflect statements about the emotional inner life of the people depicted. Mostly these relate to inner crises or childish emotional outbursts, prompting the viewer to contextualize the text with the image, in order to appropriately assess the situation. Through the use of language, the image acquires its implicit meaning, and repetition reinforces the impression of the hopelessness of the depicted situation.
This reciprocal condition between text and image, and the resulting expansion of context form the basis for memes, which are omnipresent in Wang's work. Here, image and writing engage in a mostly humorous, ironic, cynical, or sarcastic interaction to comment on current issues. Without explicitly intending to be didactic, the works of both artists thus refer to social problems and phenomena, leaving it to the viewer to deal with them.
In relation to Wang's recent paintings, another common thread can be discerned in the works of both artists, rooted in their individual biographies yet simultaneously representing a collective experience. Both are descendants of immigrants and share the challenge of adapting to a foreign identity while internalizing North American norms. They belong to
“[…] one of the groups of 'foreigners’ whose Canadianism [Americanism, author’s note] was supposed to consist of subjection to Anglo-Commonwealth norms, of assimilation, of loss of memory, language use and literacy, and of gratitude, compulsive conformism and patriotism.”[1]
In Chinese, Wang writes “American” across a painting that shows her parents, who immigrated in the 1970s, together with her as a baby. This depiction reflects a life shaped by specific conditions associated with immigration and the constant striving for belonging, which is an experience that both artists share across a generation:
"Cahors, France. Following the opening of an exhibition, I was invited to dinner in this southern French city famous for its ancient bridge and robust red wines. At the restaurant I met for the first time of the other, mostly European artists in the exhibition. As introduction were being made, one artist, all smile and looking surprised, exclaimed to me: “Why I did not know you were asian. Your work looks like it could have been made by a non-oriental.”"[2]
While Wang delves into the personal, Lum examines identity formation in the context of acculturation in his “Portrait-Logo-Series” and “Portrait-Repeated Text Series”, using staged portraits of individuals or groups representing certain classes or types. Works such as “Sacred Blade” serve as an anthropological commentary in a humorous way: the stereotypical suburban hard rock band that, despite their ambitions, cannot make it out of the wood-paneled rehearsal room. In their precision of the typical, Lum's portraits depict marginalized groups whose social circumstances stand in the way of their striving for autonomy.
Wang's paintings tell the story of this dilemma across generations. “Berlin Wall” shows her grandfather, who fled from the communist regime in China to Taiwan, where he was accused of espionage by the Kuomintang government and sentenced to twelve years in prison. Upon his release, he invested his entire fortune to ensure his daughter could study in the USA, while he himself retired in Canada, spending his time traveling. The photo was taken during a visit to Berlin in 1988.
On another painted family photo one can read “Laughing one moment, crying the next, the yellow dog is peeing”. This proverb was often used by Wang's uncle to describe the inconsistency of children's emotions: the tears of children are as insignificant as a dog's urine. Apart from the personal meaning of the image, the children represent a social group whose “tears” are also often considered insignificant.
Bei oberflächlicher Betrachtung, rein formal argumentiert, ist den Werken von Ken Lum und Christine Tien Wang die Kombination aus Text und Bild, die in gegenseitigem Wechselverhältnis zueinanderstehen, gemein. Lum kontrastiert seine großformatigen, inszenierten Porträts mit kurzen, repetitiven Phrasen, die Aussagen über das emotionale Innenleben der abgebildeten Personen wiedergeben. Meist geht es dabei um innere Krisen oder kindliche Gefühlsausbrüche, die den Betrachter veranlassen, den Text mit dem Bild in Kontext zu setzen, um die Situation angemessen einschätzen zu können. Durch die Verwendung von Sprache erhält das Bild seine implizite Bedeutung, und die Wiederholung verstärkt den Eindruck der Ausweglosigkeit aus der dargestellten Situation. Diese wechselseitige Bedingung zwischen Text und Bild sowie die daraus resultierende Erweiterung des Kontextes bilden die Grundlage für Memes, die in Wangs Werk omnipräsent sind. Bild und Schrift treten hier in eine meist witzige, ironische, zynische oder sarkastische Interaktion, um aktuelle Themen zu kommentieren. Ohne explizit didaktisch sein zu wollen, verweisen die Arbeiten beider Künstler*innen so auf gesellschaftliche Probleme und Phänomene und überlassen es dem Betrachter, damit umzugehen.
In Bezug auf die jüngsten Gemälde von Wang lässt sich eine weitere gemeinsame Linie in den Werken beider Künstler erkennen, die in ihren individuellen Biografien verwurzelt ist, jedoch gleichzeitig für eine kollektive Erfahrung steht. Beide sind Nachkommen von Einwanderern und teilen die Herausforderung, sich einer fremden Identität anzupassen und gleichzeitig nordamerikanische Normen zu internalisieren. Sie gehören zu einer
„[…] jener Gruppen von „Ausländern“, deren Kanadiertum [bzw. Amerikanertum, Anm. d. Verf.] landläufig charakterisiert wird durch Unterwerfung unter Anglo-Commonwealth-Normen, Assimilation, fehlende Erinnerung, Sprachbeherrschung und Bildung und gleichzeitig durch Dankbarkeit, zwangläufigen Konformismus und Patriotismus.“[1]
In Chinesisch schreibt Wang „Amerikanisch“ über ein Bild, das ihre Eltern, eingewandert in den 1970er Jahren, zusammen mit ihr als Baby zeigt. Diese Darstellung reflektiert ein Leben, das von spezifischen Bedingungen, die mit der Einwanderung und dem ständigen Streben nach Zugehörigkeit einhergehen, geprägt ist. Eine Erfahrung, die beide Künstler*innen über eine Generation hinweg teilen:
"Cahors, France. Following the opening of an exhibition, I was invited to dinner in this southern French city famous for its ancient bridge and robust red wines. At the restaurant I met for the first time of the other, mostly European artists in the exhibition. As introduction were being made, one artist, all smile and looking surprised, exclaimed to me: “Why I did not know you were asian. Your work looks like it could have been made by a non-oriental.”"[2]
Während Wang über das Persönliche geht, untersucht Lum die Identitätsbildung im Kontext der Akkulturation in seiner „Portrait-Logo-Series“ und „Portrait-Repeated Text Series“ anhand inszenierter Porträts individueller Personen oder Gruppen, die eine Klasse oder Typen repräsentieren. Werke wie “Sacred Blade” fungieren dabei auf humorvolle Weise als anthropologischer Kommentar: die stereotype Vorstadt-Hardrock-Band, die es trotz ihrer Ambitionen nicht aus dem holzverkleideten Proberaum herausschafft. In ihrer Präzision des Typischen bilden Lums Porträts marginalisierter Gruppen ab, deren soziale Umstände dem Streben nach Autonomie im Wege stehen.
Wangs Gemälde erzählen dieses Dilemma über Generationen hinweg. „Berlin Wall“ zeigt ihren Großvater, der vor dem kommunistischen Regime in China nach Taiwan floh, dort wurde er von der Kuomingtang Regierung der Spionage beschuldigt und zu einer zwölfjährigen Haftstrafe verurteilt. Nach seiner Freilassung investierte er sein ganzes Vermögen, damit seine Tochter in den USA studieren konnte, er selbst setzte sich später in Kanada zu Ruhe und verbrachte seine Zeit mit Reisen. Das Foto entstand während seines Besuchs in Berlin im Jahr 1988.
Über einem weiteren Familienbild ist der Satz „In einem Moment lachen, im nächsten Moment weinen, der gelbe Hund pinkelt“ zu lesen. Dieses Sprichwort wurde oft von Wangs Onkel verwendet, um die Inkonsistenz kindlicher Gefühle zu beschreiben, die Tränen der Kinder sind so unbedeutsam wie der Hundeurin. Abgesehen von der persönlichen Bedeutung des Bildes repräsentieren die Kinder eine gesellschaftliche Gruppe, deren „Tränen“ ebenfalls oft als bedeutungslos betrachtet werden.
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[1] Jeff Wall: Vier Essays über Ken Lum, in: Ken Lum, Kunstmuseum Luzern, Ausstellungskat., Luzern, 1991, S. 4.
[2] Ken Lum: Seven moments in life of a chinese canadian artist, in: Ken Lum: Everything is Relevant. Writings on Art and Life 1991-2018, Concordia University Press, Montreal, 2019, S.20.