Galerie Nagel Draxler

Catherine Sullivan "Triangle of Need"

Eröffnung: Freitag, 29. Februar 2008, 19-22 Uhr

Catherine Sullivan
"Triangle of Need", 2008
Installationsansicht
Galerie Christian Nagel, Köln

Photo: Simon Vogel
Catherine Sullivan
"Triangle of Need", 2008
Installationsansicht
Galerie Christian Nagel, Köln

Photo: Simon VogelCatherine Sullivan
"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

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"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

Photo: Simon VogelCatherine Sullivan
"Triangle of Need", 2008
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Galerie Christian Nagel, Köln

Photo: Simon Vogel

Pressetext

Catherine Sullivan’s Triangle of Need ist in Kollaboration mit dem Komponisten Sean Griffin, dem Choreographen Dylan Skybrook und dem Schauspieler und Filmemacher Kunle Afolyan entstanden.
Die Videoinstallation ist eine Koproduktion der Cisneros Foundation, Miami, dem Walker Art Center, Minneapolis, der A Foundation, Liverpool, dem Vizcaya Museum and Gardens, Miami, Metro Pictures, New York, der Galerie Catherine Bastide, Brüssel und der Galerie Christian Nagel, Köln/Berlin.
Die Erstaufführung fand 2007 im Walker Art Center statt. Es folgten Präsentationen in Liverpool, Miami und New York.

Die Arbeit erzählt fragmentarische Geschichten über Themen wie Evolution, Klassenunterschiede und die Ungerechtigkeiten in globalen Wirtschaftssystemen. Die einzelnen Erzählstränge sind miteinander verwoben und im Kern an zwei Plätzen verortet.

Der erste Schauplatz ist das frühere Anwesen des amerikanischen Industriellen James Deering, Vizepräsident und Erbe des amerikanischen Landwirtschaftskonzerns International Harvester. Erbaut wurde es im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts an der Biscayne-Bucht nahe Miami. Die Anlage, die heute als Vizcaya Museum and Gardens bekannt ist, vereint in sich Zitate einer fast 400 Jahre umspannenden architektonischen Formensprache von der Renaissance über den Barock bis hin zu Rokoko und Neoklassizismus. Die im wahrsten Sinne des Wortes in Stein gehauene Vergänglichkeit zeitbedingter Strömungen stellt für Sullivan eine Art “Urszene” in der Evolution des konzentrierten amerikanischen Wohlstands dar.

Der zweite Spielort ist ein Wohnhaus in Chicago aus der Zeit der Jahrhundertwende, dem Sitz von Deerings Fabrik. Themenfetzen wie Evolution oder die Imagination des 19. Jahrhunderts setzen sich in diesem Setting zu “rudimentären Erzählungen” zusammen. So handelt ein Strang etwa von einem wohlhabenden Industriellen, der versucht, die letzten Mitglieder einer einzigartigen Hominidenspezies zur Fortpflanzung zu zwingen. Ein weiteres Thema ist die szenische Rekonstruktion von Stummfilmsequenzen. Als Vorlagen dienen Filme aus dem Katalog der Firma Pathescope Films. Deering bestellte dort häufig Stummfilmrollen, die in den 20er Jahren in seinem Anwesen in Vizcaya gezeigt wurden. Die dritte Erzählung bezieht sich auf betrügerische Emails aus Nigeria, die ihren Empfänger um große Geldsummen zu erleichtern versuchen – eine ökonomische Pathologie.

Untermalt werden die traumartigen Bilder von den Kompositionen Sean Griffins, die in Zusammenarbeit mit der Musikarchäologin Sasan Rawcliffe, dem Moog-Synthesizer-Spezialisten Hans Fjellestad und dem Pianisten Andrew Infanti entwickelt wurden.

Die Arbeit ist für 11 Instrumente notiert und kombiniert wissenschaftliche Rekonstruktionen prähistorischer Flöten, frühe Analogelektronik und populäre amerikanische Musik aus dem frühen 20. Jahrhundert mit der sakralen Musik des Komponisten Joachim Neander (1650-1680).

Kontrastiert werden die Kompositionen durch eine von Griffin eigens entwickelte lautmalerische Sprache, die er Mousterian nennt. Sie basiert auf verschiedenen Theorien über das Sprachvermögen der Neandertaler.

Auch in der Choreographie von Dylan Skybrook spielt der Neandertaler eine entscheidende Rolle. Als Antipode zu den agierenden Darstellern tauchen immer wieder drei Figuren auf, die sich im steinzeitlichen Habitus den dekonstruktivistischen Formen der Moderne entziehen. Viele dieser Formen handeln von der Überwindung des “sozialen Gesichts”.
Skybrooks benutzt historische und prähistorische Repräsentationen und nutzt sie als Metaphern, um eine bestimmte Imaginationen hervorzurufen, die den „Neandertalerschädel als eine Spiegelkabinettsversion unserer selbst ansieht“.
Mit den Tänzern Kristin Van Loon und Justin Jones hat er an Bewegungen gearbeitet, die dasselbe Schwindel erregende Gefühl erzeugen sollen wie etwas, das zugleich menschlich wie auch nicht menschlich ist und das die Leute, seitdem die ersten Fossilien gefunden wurden, angezogen und abgestoßen hat.

Zu diesen beiden Schauplätzen fügt Sullivan eine weitere Komponente hinzu. Diese bewegt sich auf einer rein ideologischen und formalen Ebene.
So wird der Eiskunstläufer Rohene Ward in einer Serie von Drehungen gezeigt, die eine flüchtige und tentative Figur formen. Diese Szenen werden zusammen mit Aufzeichnungen von realen festlichen Ereignissen – wie etwa der Quinceañera – in Vizcaya präsentiert.

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Catherine Sullivan: Triangle of Need, a multi-channel video installation in three components by this Chicago-based artist in collaboration with Los Angeles based composer Sean Griffin, Min-neapolis based choreographer Dylan Skybrook, and Lagos, Nigeria based actor and film maker Kunle Afolyan. Co-produced in part as an artists residency by the Cisneros Foundation, Miami; Walker Art Center, Minneapolis; the A Foundation, Liverpool; Vizcaya Museum and Gardens, Miami; Metro Pictures, New York, Galerie Catherine Bastide, Brussels. The installation pre-mieres at the Walker Art Center before presentations in Liverpool (October 2007) and Miami (December 2007), and New York (March, 2007). The configuration of the installation will change for each venue. The Walker installation is conceived in three multi-channel components.

The first two components transpose monolithic and mundane details of several imagined narra-tives into two locations. The first is the former estate of American industrialist James Deering, Vice President and heir to the American agricultural trust, International Harvester. Built in the 1910’s on the bay of Biscayne in Miami, Florida, the interior and exterior décor of the estate, now known as Vizcaya Museum and Gardens, spans some four hundred years of stylistic chro-nology — Renaissance, Baroque, Rococo and Neo-classic. It proposes a transient sense of time and is regarded by the artist in the work as a “primal scene” in the evolution of concentrated wealth in America. The second location is a turn of the century apartment building in the city of Chicago, the home of Deering’s factory. Notions of evolution, categorization, discontinuation and the 19th century imagination, are pretenses for “vestigial narratives”, one involving a wealthy industrialist trying to force the last remaining members of a unique hominid
species to reproduce, the second, a series of reconstructions of scenes from the catalogue of Pathescope Films, the company from which James Deering ordered silent film reels for screen-ing at Vizcaya.

Details are depicted from a position which attempts to agitate relevance from these settings, in this case toward the infusion of two disparate economic pathologies. The same is true for the language of the third narrative, another wealthy facade, the text from fraudulent e-mails origi-nating in Nigeria, seeking assistance in securing large sums of money. The two components are collaborations with Nigerian actor/director Kunle Afolyan, who will direct various scenes from Sullivan’s script, Minneapolis based dancer/choreographer Dylan Skybrook, and Los An-geles based composer Sean Griffin.

Griffin’s musical and interdisciplinary works are positioned at the intersection of sound, per-formance, and theater. For Triangle of Need, he uses reconstructions of the vocal tracts to in-terpret and create a complex, performative language called Mousterian. This language is based on combined and disparate theories of Neanderthal speech capabilities, and explores the pathologically cultural acts of European science which held their most disturbing presumptions about the primitive in the colonial era, the era also of Vizcaya. Griffin is creating an original score for the project through collaborations with musical archaeologist Susan Rawcliffe, Moog synthesizer specialist Hans Fjellestad, and pianist/musicologist Andrew Infanti.

This wide-ranging work (scored for 11 instruments) combines scientific reconstructions of pre-historic flutes, early analog electronics, early 20th century American parlor music, with sacred music by 17th century composer Joachim Neander whom after, Neanderthals are named.

Skybrook and Sullivan have focused their rendering of three of the characters in Triangle of Need in terms of the iconography of the Neanderthal as well as on forms of disfigurement and prefigurement in the modern era, many of which deal with notions of overcoming a “social face”. Skybrook’s approach to the movement was to work with anatomical facts and historical repre-sentations and to use them as metaphors evocative of a particular imagination, one which he says would view the Neanderthal skull as funhouse-mirror version of our own. Skybrook has worked to create movement which might inspire the same dizzying feeling brought about by viewing something that seems both human and not has been attracting and repelling people since the first fossils were found in the mid-nineteenth century. He has invited two dancers, Kristin Van Loon, and Justin Jones to participate. All three hail from Minneapolis.

The third component in the installation, engages in all spheres of the project on an ideological and formal level. Figure skater Rohene Ward is shown in a series of combination spins forming a fleeting and tentative figure. These scenes are presented with footage of festive events at Vizcaya including photo sessions on the occasion of Quinceañera, a young woman’s fifteenth birthday. The classically romantic symmetry created between the skater’s romantic costume and gowns of the young women is given both to the imagination of Vizcaya and to another dis-figuring element — both scenes are partially shot in discontinued film stocks, one in particular, reveals a palate associated with a modern and familiar era which has recently passed.